“L’amico di famiglia” di Paolo Sorrentino è una descrizione acerba di una società traviata

Titolo: L’amico di famiglia

Regia: Paolo Sorrentino

Produzione: Italia, 2005

Cast: Giacomo Rizzo, Fabrizio Bentivoglio, Laura Chiatti, Gigi Angelillo, Clara Bindi, Marco Giallini, Valentina Lodovini, Giorgio Colangeli, […]

“L’amico di famiglia”, un film ormai datato (la sua uscita nelle sale risale al mese di novembre 2006), trasmesso l’altro giorno in prima serata in un canale televisivo, di cui è bene scrivere di nuovo perché risulta tuttora attualissimo, in quanto descrive una società traviata nei valori e nelle consuetudini, in cui nessun personaggio, per le corrispettive vicissitudini caratterizzate da avido squallore e da miseria d’animo, si salva dal punto di vista morale. Paolo Sorrentino, da grande narratore qual è, non fa il moralista, ma si limita a descrivere soltanto i fatti nudi e crudi delle sue maschere senz'anima e da questa descrizione emerge una società malata, forse ridotta in tale stato da un ventennio di politica cieca e assurda che ha fatto di tutto per far scambiare quei valori nobili, che l’uomo si è conquistato in millenni di storia, con “valori” negativi, come il ricatto, la violenza psicologica oltre che fisica, l’opportunismo, la prostituzione, il cinismo esasperato, e così via.  Ogni personaggio del film manifesta i suoi difetti, i quali invece appaiono come normalità, come se fossero pregi, comportandosi senza pudore, senza pentimento e spesso, anzi sempre, a discapito della dignità. Personaggi deformi e mostruosi come lo strozzino truffaldino, ladro e arruffone, malato di sesso, Geremia (un grande Giacomo Rizzo), succube della propria madre inferma (Clara Bindi) che nella sua immobilità, quasi metafora di una società refrattaria, sostiene che “tutti rubano … e tutti sono infelici”, oppure come la nonna di un bambino che per giocare a Bingo chiede un prestito inventandosi una malattia incurabile (Barbara Valmorin), o, ancora, come l’amico di Geremia, il country Gino (Fabrizio Bentivoglio), abile truffaldino così come lo sono Attanasio (Marco Giallini) e l’avvocato (Giorgio Colangeli). Tra questi personaggi spicca soprattutto la novella sposa dall’aspetto immacolato di una madonna (la bella Laura Chiatti) che il padre (Gigi Angelillo) indebitato fa prostituire a Geremia per sostenere le spese del suo stesso matrimonio, in un ambiente che rappresenta l’Italietta mediocre e fraudolenta fatta di faccendieri e traffichini, dove si pensa che la democrazia abbia peggiorato la società avendo eliminato la schiavitù (Non ci sono piu' servi. Purtroppo la democrazia ha fatto piazza pulita delle buone abitudini), dove tutto è precario (Qui tutto è in affitto, il mondo vi è stato prestato. Io vi porto il mondo quando ve lo perdete), dove l’unico sentimento che emerge è la bruttezza e la cattiveria (Potevamo fare solo i cattivi. I posti da buoni erano già tutti occupati), dove l’amicizia non si sa cosa sia (Devo dire che è un'eventualità alla quale non avevo mai pensato), dove la mostruosità esprime il carattere dell’uomo (Sono l'uomo meno affascinante sulla faccia della terra…. Non ho fiducia in Dio, perchè lui non l'ha avuta in me, altrimenti mi avrebbe fatto un poco più aggraziato!), dove l’egoismo, l’avarizia, la truffa e l’inganno sono i comandamenti da osservare.

Il film fu presentato al cinquantanovesimo Festival di Cannes dove riscosse un grande successo di pubblico ma non di critica forse per l’effetto alone determinato dal precedente film di Sorrentino “Le conseguenze dell’amore “ con Toni Servillo.

“Se sposti un posto a tavola” una commedia che gioca sulle relazioni casuali che possano cambiare la vita

Titolo: Se sposti un posto a tavola

Regia:Christelle Raynal

Genere:Commedia

Paese:Francia, Belgio, 2012
Sceneggiatura:Francis Nief
Musiche:Matthieu Gonet
Una produzione:Easy Movies, La petite Reine, Bidibul Productions, Nexus Factory, uFilm
Uscita in sala:25 Luglio 2013
Durata: 84 min. - colore
Cast: Elsa Zylberstein, Franck Dubosc, Audrey Lamy, Arié Elmaleh, Shirley Bousquet, Mathias Mlekuz, Louise Monot, Lannick Gautry, Tom Raynal, Jérôme Daran 

È sulla stessa traccia del film di Peter Howitt “Sliding doors” (1997), con Gwyneth Paltrow, questa  commedia “Se sposti un posto a tavola” di Christelle Raynal, dove è il “caso” a governare in un banchetto di nozze. Nel momento in cui, infatti, sta per iniziare il convivio, un ragazzo e una ragazza fanno cadere distrattamente i segnaposto da un tavolo ma riponendoli in gran fretta li dispongono a “caso”. Per gli invitati, seduti a quel tavolo, ignari della nuova disposizione, ci sarà una differenza sostanziale nelle loro relazioni? Cosa accadrà in seguito alla variazione dell’ordine prestabilito per l'imprevedibile coincidenza? Sarà lecito pensare che per cambiare vita, basterebbe cambiare il vicino?

Un avvenimento, dunque, che si è verificato senza un determinato motivo se non quello dovuto alla distrazione di due persone, che va contro ogni opinione deterministica che invece conferisce ad ogni evento una precisa causa. Accanto al “caso” si colloca la "necessità", vedendo nell'evoluzione dei fatti un loro avvicendamento con cui il “caso” aggiorna e la “necessità” conserva. L’origine etimologica della parola “caso” deriva dal latino casus che vuol dire caduta. Un tema questo del “caso” che ha fatto scervellare e scrivere fiumi di inchiostro al fior fiore di pensatori e scienziati, a partire dall’antico filosofo greco Leucippo che parla di “atomi soggetti ad un moto casuale e imprevedibile” e anche da Euripide che nella tragedia perduta “Ipsipile” recita “Perché se c’è il caso, che bisogno c’è degli dei?”, e ancora da Democrito secondo il quale “tutto ciò che esiste nell’universo è frutto del caso e della necessità”, a cui fa riferimento lo stesso Dante Alighieri che, nel canto sesto dell’Inferno, recita “Democrito, che 'l mondo a caso pone”. Stesso tema è stato ripreso dal biologo francese Jacques Monod, premio Nobel per la Medicina (1965) che, più di quarant’anni fa, nel suo saggio “Il caso e la necessità” (edito da A. Mondadori), anche se da un punto di vista evoluzionista, sostiene che è il “caso” che governa il mondo e l’uomo altro non è che il risultato di “un imprevedibile gioco di dadi, di una combinazione improbabilissima di circostanze che avrebbe benissimo potuto non verificarsi”. Mentre circa un decennio dopo, lo scienziato belga Ilya Prigogine, anche lui premio Nobel per la chimica (1977), asserisce che il “caso” crea il nuovo ma questo genera le condizioni deterministiche per gli eventi futuri, per cui la vita e tutto ciò che la distingue non è frutto del “caso” ma frutto del verificarsi di certe condizioni. Una nota a sfavore proviene anche dal pensiero di Albert Einstein secondo cui “Dio non gioca a dadi”, contrastato in questo dall’astrofisico Hubert Reeves che, invece sostiene che “Dio ama giocare a dadi”.

Ritornando al contenuto del film, la casualità degli eventi va contro ogni forma di organizzazione come quella che sostiene Pierre (Franck Dubosc) secondo il quale “La mia vita sessuale è come un orologio svizzero. È tutto pensato, organizzato, calibrato. È un lavoro di oreficeria, di alta acrobazia…” che discorda con gli eventi e le relazioni che si succedono nel film, così come avviene a Sisifo, il personaggio mitologico greco, nel “Il mito di Sisifo” di Albert Camus, “…cieco che desidera vedere e che sa che la notte non ha fine, egli è sempre in cammino. Il macigno rotola ancora…. Il faut imaginer Sisyphe heureux”. Risulta infatti che l’organizzazione di Pierre è vana, non ha domani perché soggetta ad un imprevedibile presenza di numerose cause donde si può dichiararne la probabilità che include il “caso”. Per tutto ciò il film risulta oltre che divertente anche interessante perché suscita gli interrogativi di cui sopra. Bravi gli attori tra cui Franck Dubosc (nel ruolo di Pierre) che nel 2012 è uno degli interpreti di “Seigneurs” di Olivier Dahan, Elisa Zylberstein (nel ruolo di Catherine) che vince il César per la Migliore Attrice (2009) come interprete secondaria del film di Philippe Claudel “Ti amerò sempre” (Il y a longtemps que je t’aime), Audrey Lamy (nel ruolo di Marjorie) che si fa conoscere al cinema con “Tout ce qui brille” che le regala la nomination al César per la Migliore Attrice Emergente (2011).

Il film Violeta Parra – Went to Heaven descrive la vita di una donna che non voleva essere chiamata signora

Titolo: Violeta Parra – Went to Heaven

Titolo originale: Violeta se fue a los cielos

Regia: Andrés Wood

Sceneggiatura: Eliseo Altunaga, Rodrigo Bazaes, Guillermo Calderón, André Wodd

Colonna sonora : Violeta Parra

Durata: 110 minuti

Produzione: Cile, 2011

Cast: Francisca Gavilàn, Cristiàn Quevedo, Thomas Durand, Luis Machin, Gabriela Aguilera, Roberto Farìas, Patricio Ossa, Stephania Barbagelata, Marcial Tagle, […]

Data uscita film: 4 luglio

 

“Gracias a la vida, que me ha dado tanto/ me dió dos luceros, que cuando los abro/ perfecto distingo, lo negro del blanco/ y en el alto cielo, su fondo estrellado/ y en las multitudes, el hombre que yo amo…” “Grazie alla vita che mi ha dato tanto/ mi ha dato due stelle che quando le apro/ perfetti distinguo il nero dal bianco/ e nell’alto cielo il suo sfondo stellato/ e tra le moltitudini l’uomo che amo…” è questa l’incantevole e commovente canzone di Violeta Parra che accompagna lo scorrere dei titoli di coda del poetico film romantico e suggestivo “Violeta Parra – Went to Heaven” di Andrés Wood e che lascia incollato fino alla fine lo spettatore sulla poltrona per la sua magnifica e seducente bellezza. È un inno all’amore (“Nei giardini umani che adornano la terra pretendo di essere un ramo di amore e di comprensione…”) e un elogio della vita questo film che fa scoprire le vicissitudini e il carattere molto complesso, contraddittorio, libero da formalismi e pregiudizi, di questa cantante cilena Violeta Parra (interpretata magnificamente dalla brava attrice Francisca Gavilàn), “madre del folk latino-americano”, la cui indole, emotivamente spontanea e spregiudicatamente sincera, è aspra e selvaggia come i luoghi che l’hanno vista nascere e crescere. Il regista ha sviscerato la psiche di questa grande donna facendola risultare, così come era in realtà, primitiva, passionale, informale, disinibita, poliedrica, dotata di grande umanità, amica di Pablo Neruda, comunista convinta, sprezzante, che non voleva essere chiamata “signora” per rimanere col cuore tra la sua gente per la quale “la vita non è una festa”. Tant’è che con le sue canzoni (Solo l’amore con la sua coscienza può farci tornare innocenti …) ha denunciato, l’ingiustizia sociale e la sopraffazione del potere (rappresentato nel film dallo sparviero) sulla povera gente inerme (rappresentata nel film da una gallina) “che mangia tutto”. Il regista, inoltre, ha evidenziato con maestria la grandissima umanità di questa donna dotata di una vena artistica polimorfa come dimostra il suo essere, all’unisono, cantante, pittrice, scultrice, poetessa, collezionista che ha fatto tesoro delle tradizioni popolari, che con oltre 3000 canzoni ha tanto cantato l’amore per il quale ha vissuto e senza il quale è morta suicidandosi. Fornita anche di una grande creatività e di una forte immaginazione, Violeta Parra ha lottato contro i formalismi aridi e privi di senso, ha ripudiato la razionalità e qualunque arida pianificazione della vita, ha amato lasciarsi trasportare dagli impulsi emotivi così come si evince dal suo pensiero “Scrivi come ti piace scrivere,/ usa i ritmi che vengono fuori,/ prova strumenti diversi,/ siediti al piano,/ distruggi la metrica,/ urla invece di cantare,/ soffia nella chitarra e strimpella il corno./ Odia la matematica, e ama i vortici./ La creazione è un uccello senza piano di volo,/ che non volerà mai in linea retta”. Scrive il The New York Times che in questo film “convivono nel modo più poetico sentimenti di gioia e di sconfitta” dove Wood “crea un ritratto epico e struggente di un’artista incapace di sfuggire al marchio della sua classe”.

Il film, tratto dal libro “Violeta Parra è andata in cielo” scritto dal figlio Ángel Parra (ed. da Casini editore), ha vinto il “Sundance Film Festival 2012”, il Premio “Fipresci come Migliore Film al Guadalajara Mexican Film Fest 2012” dove è stato assegnato anche il Premio Mayahuel a Francisca Gavilàn come Migliore Attrice, il Premio del Pubblico come Migliore Film al festival del Cinema Latino Americano a Tolosa e la Menzione speciale al Francisca Gavilàn come Migliore Attrice al Lima Latin American Fil Festival. Inoltre è stato candidato Oscar come Migliore Film Straniero nel 2012 per il Cile.

Narni. Le vie del cinema. XIX Rassegna cinematografica del cinema restaurato

Presso “La libreria del cinema” in via Fienaroli  di Trastevere a Roma, oggi, si è tenuta la Conferenza stampa della XIX edizione di “Narni. Le vie del cinema. Rassegna del cinema restaurato” con gli interventi di Francesco De Rebotti, sindaco di Narni (TR), Marcello Foti, direttore generale del Centro Sperimentale  di Cinematografia,  e i direttori artistici della Rassegna Giuliano Montaldo e Alberto Crespi. La rassegna che si terrà dal 2 al 7 luglio p.v. sarà una vera leccornia per i palati dal gusto raffinato dato che uno dei direttori artistici, come già detto, è Giuliano Montaldo ( regista di film di impegno civile come “Tiro al piccione”, 1961, suo film d’esordio, e poi, tra i più famosi, “Sacco e Vanzetti”, 1971, “Giordano Bruno”, 1973, “I demoni di san Pietroburgo”, 2008, e per ultimo “L’industriale”,2011), il quale all’età di 83 anni ancora manifesta quel brio di un giovanotto elegante e spiritoso. Montaldo si è sfogato dicendo che c’è troppo silenzio attorno alla Settima arte e che non c’è lavoratore più precario di chi lavora al cinema, compreso egli stesso. 

 

La rassegna è molto interessante, basti pensare che saranno riproposti alcuni dei film che hanno fatto la storia del Cinema italiano del dopoguerra, tra cui “Roma città aperta”(1945) di Roberto Rossellini con la grande Anna Magnani a 40 anni dalla sua morte, “Nel blu dipinto di blu” (1959) di Piero Tellini con Domenico Modugno e Vittorio De Sica, “Roma ore 11” (1952) di Giuseppe De Santis, grande regista fondano, e poi ancora “La dolce vita” (1960) di Federico Fellini a 20 anni dalla sua morte, con Marcello Mastroianni, e “Ladri di saponette” (1989) di e con Maurizio Michetti. Ci sarà pure una serata (6 luglio) su “Thriller – hollywoodiana” con una doppia proiezione: “Lo squalo” (1975) di Steven Spielberg che “farà passare agli spettatori la voglia di andare al mare”(A. Crespi), e “Dracula”(1931) di Tom Browning. In questo contesto prende il via anche la prima Rassegna del cinema animato restaurato per i più piccoli, che piace anche ai grandi. Tra i cartoni animati proposti si citano, per brevità, “La rosa di Bagdad”(1949) di Anton Gino Domeneghini, “Pulcinella” (1973) e “Il flauto magico” (1978) di Giulio Gianini e Emanuele Luzzati, e “Un burattino di nome Pinocchio” (1972) di Giuliano Cenci. E, come una ciliegina sulla torta, ci sarà anche la presentazione di un libro del cinema restaurato, fuori catalogo, “Tutti i film di Clint Eastwood” di Francesco Ballo e Riccardo Bianchi. La Rassegna si terrà al Parco dei pini di Narni Scalo (TR) con ingresso gratuito. Per consultare il programma www.leviedelcinema.it.

“Blood” di Nick Murphy un triller che indaga sulla psiche umana

Titolo: Blood

Regia: Nick Murphy

Sceneggiatura: Bill Gallegher

Musice originali: Daniel Pemberton

Produzione: Gran Bretagna 2013

Cast: Paul Bettany, Mark Strong, Brian Cox, Stephen Graham, Ben Crompton, Zoë Tapper, Adrian Edmondson, Natasha Little, Patrick Hurd-Wood, […]

L’acqua, l’arché, il principio di tutte le cose secondo Talete, è anche il principio di questo film di Nick Murphy, dove la sua trasparenza fa vedere un grosso ciottolo con un foro che, dopo averlo tratto, suggella la solidarietà tra due fratelli ancora infanti, Joe e Chrissie Fairburn (rispettivamente Paul Bettany e Stephen Graham), anzi sancisce la dipendenza indiscussa di Chrissie, dal carattere debole e insicuro, dal fratello Joe impulsivo e prepotente. Ambedue da grandi sono diventati poliziotti dello stesso dipartimento di polizia seguendo le orme del padre Lenny (Brian Cox), poliziotto dal carattere onesto e autoritario, quando ancora era in servizio, ma che ora manifesta segni di demenza senile irreversibile. L’incipit del film, che è stato paragonato per la sua peculiarità dall’Hollywood Reporter al film Mistic River (2003) di Clinti Eastwood, è il ritrovamento di una ragazza morta, Angela, compagna di scuola di Miriam Fairburn (Naomi Battrick) figlia di Joe, uccisa con dodici pugnalate. La comunità che vuole la cattura del colpevole pressa sulla polizia come il vento costante che spira in quell’isola e che preme sulle persone. Jason Buliegh (Ben Crompton), un pregiudicato dai trascorsi violenti  e turbolenti, viene indagato e arrestato, ma a causa di mancanza di prove viene subito dopo liberato. Da questo momento il film assume il carattere di un triller dai connotati particolari e insoliti, sui generis, cioè avulso dalla normale indagine poliziesca caratteristica di film dello stesso genere. Un triller da mozzafiato, sconvolgente, imprevedibile nei risvolti che cerca di indagare sulla psiche umana, che scava nell’animo di ogni uomo, che scende nei meandri della personalità umana e dei fattori che l’hanno modellata, che investiga sui sensi di colpa, sui rancori latenti del passato che orientano i comportamenti individuali irreversibilmente. Per tutto questo, il film, una metafora del comportamento umano, utilizza la vena poliziesca come strumento e non come fine e descrive l’angoscia e il disagio dell’individuo che, per impulsività e per perdita momentanea della ragionevolezza, commette un grave fallo che non gli permette di tornare sui suoi passi trovandosi solo come in un tunnel senza via di scampo. “Faber est suae quisque fortunae” la locuzione dello storico romano Sallustio, secondo cui ognuno è artefice del proprio destino, è infatti il tema attorno a cui ruota tutto il film. Un crimine commesso in un attimo di ira invereconda diventa la spada di Damocle di colui che lo ha commesso e che tenta di sfuggire da esso. La sua coscienza sporca emerge violentemente e prepotentemente. Gli errori commessi rimangono indelebili nella mente e “lasciano il segno come una macchia di sangue”.

Il film traccia anche le linee che mettono in evidenza la dipendenza di Chrissie da Joe, più per plagio che per affetto, e il suo superamento di tutto questo rimettendo il ciottolo con il buco nelle mani del fratello Joe.

L’ambiente scelto, luoghi dell’infanzia del regista Nick Murphy, è un’isola che si può raggiungere quando la marea è bassa ed essa metaforicamente rappresenta l’uomo che nella sua solitudine entra in lotta con la sua coscienza che viene a galla.

I movimenti di luce, i paesaggi aperti, suggestivi e desolati al tempo stesso, descrivono magnificamente i fatti tracciati nel film. Le musiche scelte calzano magnificamente il susseguirsi delle azioni e concorrono al coinvolgimento dello spettatore che rimane con il fiato sospeso sino all’ultima scena del film.

Il regista è stato molto bravo perché è riuscito a tirare fuori da tutti gli attori il meglio di loro stessi: Paul Bettany (Legion, Il codice da Vinci), Mark Strong (La talpa, Lanterna verde), Brian Cox (L’alba del pianeta delle scimmie, The Bourne Supremacy), Stephen Graham (La talpa, Nemico pubblico).

Il film sarà proiettato nella sale a partire dal prossimo 27 giugno.