“Ad astra”, una profonda e stimolante riflessione sulle inclinazioni dell’uomo connesse con il senso della vita

Titolo: Ad Astra

Regia: James Gray

Sceneggiatura: James Gray, Ethan Gross

Musiche: Max Richter

Produzione Paese: USA, Brasile, Cina, 2019

Cast: Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Ruth Negga, Liv Tyler, Donald Sutherland, John Ortiz, Greg Bryk, Loren Dean, John Finn, Kimberly Elise, LisaGay Hamilton, Jamie Kennedy, Natasha Lyonne, […]

Ad astra, locuzione forse estrapolata dalla più completa frase latina Per aspera sic itur ad astra, con la quale si vuole indicare che per giungere alle stelle, ovvero alla gloria o al successo, bisogna superare grandi ostacoli, ricalca molto bene il contenuto di questo bel lavoro di James Gray.

Ci sono film, tra cui il capolavoro indiscusso 2001 - Odissea nello spazio (1968) di Stanley Kubrick a cui si affianca la SUA risposta sovietica Solaris (1972) di Andrej Tarkovskij,  e i più recenti Gravity (2013) di Alfonso Cuaron e Interstellar (2014) di Christopher Nolan che, assieme a questa recentissima pellicola Ad Astra, affrontano il problema del rapporto dell’uomo con l’universo, spesso considerato come causa di imprevisti per l’uomo. In questo contesto, viene compreso sua sponte il dilemma connesso con la continua ricerca del senso della vita, che, a tutt’oggi, a meno che l’essere umano non rifugga, come è suo solito di fronte al mistero, nei dogmi religiosi come del resto fa da quando è stato creato, rimane profondamente irrisolto.

Uno degli imprevisti che, nel film Ad Astra,  nocciono alla Terra, sono delle emissioni improvvise di energia di origine ignota, provenienti da Nettuno, il pianeta ai confini del Sistema solare. Si sospetta che esse potrebbero essere causate dalla base spaziale del progetto LIMA, che ventinove anni prima era stato condotto dall’astronauta Clifford McBride (Tommy Lee Jones), e di cui non si è saputo più nulla da sedici anni, anche se ci sono dei segnali che fanno pensare che sia vivo. Conseguentemente lo SpaceCom, il Comando Spaziale, per indagare sulle cause di ciò, convoca il quarantacinquenne maggiore Roy McBride (Brad Pitt), figlio di Clifford, a cui vuole affidare la missione segreta di ricerca del padre. Roy, che aveva sedici anni quando il padre partì, è stato sempre affascinato dalle sue gesta, tant’è che manifesta il suo orgoglio di figlio dicendo: Faccio quello che faccio grazie a mio padre, lui era un eroe. Ha sacrificato la sua vita per il sapere. E Roy, anche se viene avvertito sui rischi a cui andrà incontro (Potrebbe essere uno shock per lei, suo padre faceva esperimenti con del materiale classificato che poteva compromettere il nostro intero sistema solare, distruggendo ogni forma di vita! Contiamo su di lei per scoprire cosa sta succedendo) accetta senza alcun a titubanza la missione (pronto a fare il mio lavoro al meglio delle mie capacità. Ribadisco il mio fermo impegno a completare la missione secondo le regole, se necessario distruggerò il progetto nella sua totalità. La Terra sperava in lui ed ora è tutto ... nelle mie mani!)

A tal punto lo spettatore, di cui viene coinvolta tutta la sua immaginazione, ha l’occasione di gustarsi, sulla base di un’attraente scenografia, le intime riflessioni e gli intensi e profondi dialoghi, accompagnati da musiche originali che ben si adattano alle continue azioni frenetiche e imprevedibili che si presentano. Attraverso essi, grazie all’uso metaforico che il regista pone con buon esito in atto, lo spettatore coglie l’attitudine drammatica dell’uomo volta non solo a distruggere il proprio pianeta ma anche a danneggiare gli altri corpi celesti, vedi la Luna e il pianeta Marte, così come è avvenuto sulla Terra a decorrere soprattutto dal 1492, anno di scoperta dell’America. Trasportato delle sue passioni, che lo inducono all’affannosa ricerca della verità o alla bramosia di grandezza, l’uomo abbandona i suoi affetti più cari e si scontra con la sua essenza: il padre, che lascia la sua famiglia e il figlio, per realizzare il suo sogno, o il marito che lascia la moglie per dare un scopo all’impronta educativa ricevuta e alle sue innate aspirazioni. E in questo continuo trasporto il tempo passa, l’età avanza e, ad un certo punto, egli si accorge degli errori commessi, dell’inutilità di questa lotta sfrenata e cerca di tornare sui suoi passi finché sia possibile, altrimenti rinuncia al suo scopo e alla sua vita.

Il film è stato presentato alla LXXVI edizione della Mostra Internazionale del Cinema di Venezia.ì

Filmografia

Little Odessa (1994), The Yards (2000), I padrone della notte (2007), Two Lovers (2008), C’era una volta a New York (2013), Civiltà perduta (2016).

Francesco Giuliano

“Mio fratello rincorre i dinosauri”, un film che affronta con brio e sagacia il tema della disabilità

Titolo: Mio fratello rincorre i dinosauri

Regia: Stefano Cipani

Soggetto: Giacomo Marraziol (dal romanzo autobiografico omonimo)

Sceneggiatura: Fabio Bonifacci, Giacomo Marraziol

Musiche: Lucas Vidal

Produzione: Italia, 2019

Cast: Alessandro Gassmann, Isabella Ragonese, Rossy De Palma, Francesco Gheghi, Lorenzo Sisto, Arianna Becheroni, Gea Dall’Orto, Maria Vittoria Dallasta, Edoardo Pagliai, Saul Nanni, […]

Sarà diverso da voi. È speciale... dotato di superpoteri, dice Katia (Isabella Ragonese), con l’ingenua e sottile complicità del marito Davide, ai figli [due femmine, Chiara (Gea Dall’Orto) e Alice (Maria Vittoria Dallasta), e un maschio Jack (Francesco Gheghi)], dopo la nascita di Gio (Lorenzo Sisto), un bambino affetto dalla sindrome di Down, come si sa causata dalla presenza del 47° cromosoma nel nucleo cellulare. Questa è l’innocente bugia che viene ritenuta verità indiscussa dal piccolo Jack il quale però, quando diventa grande, si rende conto della situazione fisiologica in cui si trova il fratello (La verità è che mi avete fatto credere che era un supereroe, siete dei bugiardi!) e, per vergogna, cerca di nascondere agli amici e ai compagni di scuola l’esistenza del fratello down, asserendo che è morto. E ciò lo fa anche con la prima fiamma della sua vita, di cui è innamorato profondamente: Arianna (Arianna Becheroni), una ragazza perspicace e molto impegnata socialmente. Come è volgarmente noto, tuttavia, le bugie hanno le gambe corte, e Jack si trova costretto a confessare la verità. A quel punto, scartato da tutti, soprattutto da Arianna, che gli rinfaccia di averle detto di avere solo due sorelle,si rende conto che non si può pensare di essere amati senza se e senza ma, se non si è all’altezza di amare gli altri accettandoli con tutti i loro difetti. Jack riceverà addirittura dal comportamenti di Gio questo insegnamento universale, che farà ricrederlo e lo porterà a pensare che suo fratello è veramente un supereroe, tant’è che con grande convinzione afferma: Lui è genialità e ingenuità al tempo stesso, Gio è uno che quando si trova nei corridoi corre, perché nei corridoi si corre! Gio è uno che ogni mattina si sveglia e ti chiede se fuori c'è il sole, ogni mattina porta dei fiori alle sorelle ... e quando mi chiedono cos’ha Gio, io rispondo sempre: Mio fratello rincorre i dinosauri.

Ci sono temi sociali con cui è difficile coinvolgere il grande pubblico, ma Mio fratello rincorre i dinosauri, grazie alla sceneggiatura scorrevole e briosa e alla regia di Stefano Cipani, al suo esordio, che usa un linguaggio delicato e una scorrevole fluidità narrativa, riesce, grazie anche ad un procedere vivace, a coinvolgere lo spettatore sia emotivamente, come quando si riceve un bel regalo, che razionalmente perché lo fa riflettere su un tema che spesso viene rifiutato dalla collettività.  Mio fratello rincorre i dinosauri, presentato alla 76^ Mostra Internazionale del Cinema di Venezia, è un film semplice e con un alto valore pedagogico che, affrontando un problema sociale importante, riesce a sorprendere, divertire e appassionare. Per questo dovrebbe essere utilizzato come strumento didattico nelle scuole. Nel contempo, questo film trasmette la bellezza della condivisione emotiva, dell’anormalità considerata un fatto normale e del prendersi cura del diverso che diverso non è, così come recita la canzone di Franco Battiato La cura cantata nei titoli di coda: Ti proteggerò dalle paure delle ipocondrie/ dai turbamenti che da oggi incontrerai per la tua via/ dalle ingiustizie e dagli inganni del tuo tempo/ dai fallimenti che per tua natura normalmente attirerai./ Ti solleverò dai dolori e dai tuoi sbalzi d'umore/ dalle ossessioni delle tue manie./ Supererò le correnti gravitazionali/ lo spazio e la luce per non farti invecchiare. E guarirai da tutte le malattie/ perché sei un essere speciale./ Ed io, avrò cura di te …

Francesco Giuliano

“Il pianeta in mare”, la descrizione di una ferita socio-ambientale sospesa tra terra e mare

Titolo: Il pianeta in mare

Regia: Andrea Segre

Sceneggiatura: Andrea Segre, Gianfranco Bettin

Musiche: Sergio Marchesini

Durata: 96 min

Produzione: Zalab Film con Rai Cinema

Distribuzione: Zalab Film

Il pianeta in mare, diretto da Andrea Segre e scritto dallo stesso regista insieme con l’autore Gianfranco Bettin, è un film documentario presentato Fuori Concorso alla LXXVI Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, che uscirà nelle sale il prossimo 26 settembre.

Il film documentario Il pianeta in mare fa entrare lo spettatore, che diventa sin dalle prime immagini consapevole e anche incredulo dello stato di degrado ambientale e sociale, nella zona industriale di Marghera, cuore meccanico della Laguna posto a 5 km da Venezia, e che da circa un secolo non smette di fervere. Con esso si descrive un mondo in bilico tra il suo passato profondamente scomodo e imbarazzante e il suo futuro incerto, dove lavorano operai di oltre sessanta nazionalità diverse che ne fanno un pianeta internazionale … in mare. In esso lo spettatore si smarrisce in quei luoghi mai visti prima e si stupisce per l’abbandono di laboratori chimici dove si analizzavano le acque per la determinazione di CVM (MonoVinilCloruro o Cloroetene, altamente cancerogeno) in seguito al suo largo uso per produrre il polimero PVC (PoliVinilCloruro),che provocò vittime e quindi processi interminabili con condanne prescritte; in esso lo spettatore si sorprende nel constatare che il fondale marino a meno di un metro di profondità è reso nero da tutto il catrame che vi è stato scaricato in diversi decenni e in cui non c’è più vita marina, e ancora rimane impressionato del ventre d’acciaio delle grandi navi in costruzione, delle ombre dei bastioni abbandonati del Petrolchimico, degli alti forni e delle ciminiere delle raffinerie che espellono vapori e gas vari nell’atmosfera, del nuovo mondo telematico di Vega o delle centinaia di container che navi intercontinentali scaricano senza sosta ai bordi dell’immobile Laguna. Attraverso i racconti di operai, di manager, di camionisti e anche della cuoca dell’ultima trattoria del Pianeta Marghera dove nel passato c’era vitalità quotidiana continua, le immagini di Andrea Segre incidono profondamente nella coscienza dello spettatore e lo aiutano a capire cosa sia rimasto del grande sogno a Marghera, come a Priolo o come a Gela, provocato nel passaggio da un’economia essenzialmente rurale ad un’economia industriale del Pianeta Italia che, oggi è immerso, dopo le crisi e le ferite del recente passato, nel flusso globale del sistema produttivo e delle migrazioni. Un sogno infranto è il succo di questo documentario, che non potrà avere soluzioni positive sia per l’ambiente che per l’economia  a causa della profonda ferita ambientale inferta in una zona tra le più attraenti e più fascinose d’Italia, ferita che però potrebbe essere risanata. Basta volerlo! Ecco, allora, la nota ottimistica del regista che scrive, a tal proposito: Negli ultimi due anni a chiunque io abbia detto che stavo lavorando ad un film su Marghera la risposta era sempre: “Ah, perché esiste ancora Marghera?”Le tante ferite e le tante crisi che hanno attraversato questa zona industriale, come molte altre in Italia, hanno costruito una grande rimozione nazionale. Crediamo che in quegli spazi non ci sia più nulla, più nessuno. Invece non è così. Un regista di cinema documentario ha un importante compito: portare le persone lì dove non possono o non vogliono entrare. “Il Pianeta in mare” nasce per questo.

Filmografia (documentari)

Lo sterminio dei popoli zingari (1998), Berlino ’89-’99 – Il Muro nella testa (1999), Ka Drita? (2001),  A metà – Storie tra Italia e Albania (2001), Dalle tre alle tre- Il Nord-Est e il Mare (2001), Marghera Canale Nord (2003), Dio era un musicista (2004), 1 kg di Internet (20059, Kerchaou … (2006), PIP49 (2006), La Mal’ombra (2007), Come un uomo sulla terra (2008), Magari le cose cambiano (2009), Il sangue verde (2010), Io sono Li (2011), Mare Chiuso (2012), Indebito (2013), La prima neve (lungometraggio, 2013), Come il peso dell’acqua (2014), I sogni del lago salato (2015), L’ordine delle cose (Lungometraggio, 2017).

Francesco Giuliano

“Martin Eden”, ovvero la storia dell’essere umano tra i suoi sogni giovanili e le sue delusioni della maturità

Titolo: Martin Eden

Regia: Pietro Marcello

Soggetto: Jack London (liberamente tratto dall’omonimo romanzo del 1909)

Sceneggiatura: Maurizio Braucci, Pietro Marcello

Musiche: Marco Messina, Sacha Ricci

Produzione Paese: italia, Francia, 2019

Cast: Luca Marinelli, catrlo Cecchi, Elena Orsini, Nino, Vincenzo Nemolato, Marco Leonardi, Denise Sardisco, Carmen Pommella, Autilia Ranieri, Franco Pinelli, Savino Paparella, Elisabetta Valgoi, Pietro Ragusa, Giustiniano Alpi, Claudio Boschi, Dario Iubatti, Anna Patierno, Vincenzo Modica, Gaetano Bruno, Maurizio Donadoni, Lana Vladi, Chiara Francini, Aniello Arena, Rinat Khismatouline, Giordano Bruno Guerri, […]

Martin Eden è uno di quei film di grande ricchezza emotiva che si riverbera sullo spettatore, che lo cattura e lo accarezza sensibilmente, che non molla la sua mente neppure dopo averlo visto perché lo fa pullulare tra mille riflessioni, mille sfaccettature, mille valutazioni che sono connesse con la nostra società, con il nostro modo di vivere e di fare, con le nostre effimere gerarchie sociali che sono avulse da quella sincera umanità che conferiscono continua instabilità all’essere umano e lo disorientano. Tratto liberamente dall’omonimo romanzo autobiografico dello scrittore americano Jack London, pubblicato nel 1909, e diretto dal regista casertano Pietro Marcello, Martin Eden (Luca Marinelli), marinaio sin dall’età di undici anni, nell’adattamento cinematografico, viene traslocato idealmente dalla città californiana di Oakland a Napoli. Ma ciò nulla toglie alla descrizione delle vicissitudini del giovane Martin che pur essendo privo di basi culturali possiede una ricchezza umana straordinaria tant’è che, ancora vigoroso virgulto, salva da una violenta aggressione Arturo (Giustiniano Alpi), un giovane fragile dell’alta borghesia napoletana. Costui per esprimergli gratitudine lo invita a casa dove Martin conosce Elena (Jessica Cressy) e dalla quale viene attratto per la sua bellezza affascinante e coinvolgente. Così Jack London la descrive nel romanzo: Era uno spirito, una divinità, una dea; una bellezza così sublime non era di questo mondo. O forse i libri avevano ragione, e nelle classi sociali più elevate c’erano molte persone come lei. Elena mostra di possedere una grande cultura che assieme alla sua bellezza spinge Martin a cercare di elevarsi socialmente e per fare questo sente dentro di sé di fare lo scrittore. Un sogno che insegue con ferma volontà. Si rende conto che la conoscenza è la base da cui partire per debellare la povertà perché ritiene che la conoscenza metaforicamente sia come un pezzo di pane usato per fare la scarpetta in un piatto per togliere il sugo rimasto sul fondo, che rappresenta la povertà. Ma in ciò è contrastato dalla sua appartenenza sociale e dalla sua ignoranza da cui vuole emanciparsi. Infatti confessa ad Elena: In tutti questi mesi ho riflettuto molto su me stesso e ho sentito come uno spirito creatore che mi divampava dentro, che mi incitava a fare di me uno degli orecchi attraverso cui il mondo sente, uno degli occhi attraverso cui il mondo vede, insomma voglio fare lo scrittore! E allora cerca di arricchire il suo bagaglio culturale venendo a conoscenza delle teorie del darwinismo sociale, attraverso la lettura delle opere del filosofo positivista Herbert Spencer, che lo porta a convincersi della supremazia del più forte nei rapporti umani e a credere alla prevaricazione dell’uomo sull’uomo con qualsiasi forma sia fisica che morale perché il sazio non sa cosa sia il digiuno. Ciò lo rende sostenitore dell’ideologia individualista che ritiene presupposto primario nella lotta per la liberazione dell’essere umano. Affronta grandi sacrifici senza successo, ma l’incontro casuale con Russ Brissenden, scrittore anche lui, gli fa rafforzare il suo convincimento politico e morale (Quanti ne vedi morire di fame, finire in galera perché sono dei poveretti, schiavi, ignoranti e stupidi. Lotta per loro, Martin!) che lo fa entrare subito in conflitto con la famiglia di Elena, la quale lo abbandona definitivamente perché non è stato in grado di trovarsi un lavoro stabile. Tuttavia col tempo il successo finalmente arriva e Martin viene osannato e ricercato soprattutto da tutti coloro che prima l’avevano scartato, e ciò lo porta a convincersi profondamente del suo fallimento: Lo scrittore Martin Eden non esiste. È un frutto delle vostre menti, quello che avete davanti è un malandrino, un marinaio ... io non sono un mito, è inutile che ci provate, a me non mi fregate ... a me non mi fregherete mai! Si chiede, infatti, cosa sia cambiato in lui e nei suoi scritti dato che gli editori, che adesso si contendevano e gli compravano a qualunque prezzo i suoi romanzi, erano quegli stessi che prima gli avevano  rispedito le lettere senza aprirle, e dato che quelle persone che ora lo invitavano a conferenze o a cena erano quelle stesse che lo avevano lasciato soffrire di fame e di solitudine. Martin, in definitiva, passa, attraverso la maturità e il successo raggiunto, dall’entusiasmo giovanile, che lo aveva spronato a proiettarsi nel futuro, ad una cruda delusione che lo porta a non credere più nella sua forza vitale e ad uno smarrimento irreversibile.

Martin Eden appare come un eroe tragico che rappresenta nella sua interezza l’essere umano, stretto tra la sua giovanile illusione propulsiva e la sua disillusione scoraggiante e deprimente. Egli non ha una collocazione nel tempo e nello spazio perché può essere ovunque e vivere in qualunque periodo storico. Tutto ciò lo dimostra la sceneggiatura che è una mescolanza ben efficace di una documentazione video di diverse epoche inserita nel film, come quella del rogo dei libri, cioè le Bücherverbrennungen di retaggio nazista, delle prepotenze sugli umili e sugli indifesi operate dalle squallide camicie nere di stampo fascista, degli orrori della guerra, a cui si affiancano i costumi, i particolari livelli cromatici della fotografia, la stessa macchina da scrivere - un’Olivetti 32  - usata da Martin.

Il film è stato presentato in concorso il 2 settembre 2019 alla LXXVI Mostra Internazionale del Cinema di Venezia. 

Filmografia

Il passaggio della linea (2007), La bocca del lupo (2009), Il silenzio di Pelešjan (2011), Bella e perduta (2015).

Francesco Giuliano

“Genitori quasi perfetti”, una tragicommedia perfetta “in un Paese perfetto di mostri perfetti”

Titolo: Genitori quasi perfetti

Regia: Laura Chiossone

Soggetto:  Gabriele Scotti, Renata Ciaravino

Sceneggiatura: Gabriele Scotti, Renata Ciaravino

Musiche: Michele Braga

Produzione Paese:  Italia, 2019

Cast: Anna Foglietta, Paolo Calabresi, Lucia Mascino, Marina Rocco, Elena Radonicich, Francesco Turbanti, Paolo Mazzarelli, Marina Occhionero (intrattenitrice), Erika Blanc, Nicolò Costa

Genitori quasi perfetti, secondo film di Laura Chiossone, descrive un tratto significativo della vita di Simona (Anna Foglietta) alle prese con la preparazione della festa dell’ottavo compleanno del figlio Filippo (Nicolò Costa). Essendo single, Simona è molto insicura ma nell’incertezza totale cerca di mettercela tutta al fine di organizzare un buon evento che le permetteranno di conoscere i genitori dei compagni di classe del figlio e fare amicizia. Accettano l’invito soltanto alcuni che rappresentano un profilo realistico della classe media dei genitori di un “paese perfetto di mostri perfetti”: Giorgia (Elena Radonicich), madre lesbica che mostra profonda sensibilità e chiarezza sulla prassi educativa dei figli, Ilaria (Lucia Mascino) e il marito Aldo (Paolo Calabresi), orgogliosi di essere vegani con la loro torta all’acqua, che come dice Simona gli somiglia, Sabrina (Marina Rocco), estetista che, oltre a farsi propaganda, dimostra un incontrollabile desiderio per il sesso, Paolo (Francesco Turbanti), disoccupato che cerca di nascondere il proprio status senza riuscirci, e infine Alessandro (Paolo Mazzarelli), imprenditore fallito che cerca disperatamente di emergere nel proprio lavoro. Ognuno di loro manifesta un proprio carattere condizionato dall’ambiente in cui si trova e un proprio modo di interpretare la vita vestendo una personale maschera. Una maschera che lo differenzia dagli altri, come in un’opera teatrale, ma che lo accomuna nel costituire una società contraffatta e per certi aspetti anche disumana, dove basta un piglio contrario al senso comune della vita che in un baleno trasforma la festa in un parapiglia dove succede di tutto: i comportamenti che sembravano affettuosi, cordiali, gradevoli, simpatici, socialmente corretti, si trasformano improvvisamente in una lite da cui scaturisce acredine, odio, intolleranza e disprezzo.

Da una parte, dunque i genitori che litigano rasentando turpiloquio o addirittura azioni omicide e dall’altra parte i bambini che giocano divertendosi, guidati dalla candida Luisa (Marina Occhionero), animatrice giovane ed empatica che, al termine del suo impegno lavorativo, rivolgendosi a tutti i genitori, afferma disgustata e delusa: ho capito che sarà molto, molto difficile fare peggio di quello che avete fatto voi con i vostri figli!

La regista Laura Chiossone con questa tragicommedia Genitori quasi perfetti, che potrebbe essere derivata da una piece teatrale drammatica, fotografa dettagliatamente e realisticamente, sia nei caratteri che nei comportamenti, i genitori moderni che, presi dal lavoro o dalla precarietà, da molteplici impegni, da mille problemi, dalle proprie frustrazioni e fisime e da svariati complessi, sottraggono prezioso tempo, cura e sentimento al ruolo fondamentale dell’essere genitore in modo proficuo. E, nel contempo, fa anche emergere il borderline, la linea di confine, attraverso cui si passa facilmente dal comportamento ipocrita alla sincerità comportamentale da cui emerge senza maschera  la cruda realtà odierna. Il carattere del film che appare ironico, deprimente, profondamente realistico grazie a dei bravi attori tra cui spicca la protagonista Simona, interpretata dall’appassionata e poliedrica Anna Foglietta, vuole essere una disamina dell’attuale situazione familiare a livello educativo che, tranne le dovute eccezioni, sta investendo la famiglia e anche la scuola, che si trova impreparata ad arginare l’effetto diseducativo genitoriale. Forse i genitori prima di intraprendere questo ruolo dovrebbero frequentare una scuola che li formi in tal senso?

Filmografia

Tra cinque minuti in scena (2012).

Francesco Giuliano

“Il varco” è il racconto doloroso delle mostruosità di una guerra suicida

Titolo: Il varco

Regia: Federico Ferrone e Michele Manzolini

Soggetto: Federico Ferrone, Michele Manzolini

Sceneggiatura: Federico Ferrone, Michele Manzolini, Wu Ming 2

Musiche: Simonluca Laitempergher

Durata: 70 min

Distribuzione: Istituto Luce Cinecittà

Il varco racconta la partenza, nel 1941, di un soldato italiano per il fronte sovietico e con lui tanti altri militi. L'esercito fascista era alleato di quello nazista e la vittoria sembrava essere prossima. A differenza di molti giovani commilitoni che, presi da forte entusiasmo e da grande fervore, immaginavano che la guerra fosse come una passeggiata, quel soldato, che parlava anche se non molto bene il russo perché sua madre era di origini russe, già conosceva le nefandezze e le mostruosità sanguinose dei combattimenti avendo combattuto già nella guerra d’Etiopia. Per questo egli si recava in quel territorio con cognizione di ciò che sarebbe successo e temendone le conseguenze si rifugiava con la mente, per un po’ di conforto, nei ricordi delle fiabe che la madre gli raccontava quando era ancora bambino. E lo faceva su quel treno che, attraversando mezza Europa fin oltre lo sterminato territorio ucraino, procedeva inizialmente tra canti, musiche, sogni e speranze. Treno che con l’arrivo dell’inverno fu colto improvvisamente dal silenzio in seguito allo stupore prodotto dai corpi dei primi morti, dal fango, dal gelo, dalla neve e dallo squallore del paesaggio che gli si presentava. Le esaltanti bramosie iniziali dei soldati si ridussero d’un tratto a quelle essenziali: non cercavano più la vittoria, non agognavano più la baldoria e il brio, ma un varco che gli permettesse di avere un letto caldo, del cibo, degli indumenti puliti, e soprattutto di ritornare sani e salvi a casa per riabbracciare i loro cari e le loro cose. L’immensa steppa spazzata da una continua ed esiziale tormenta ora gli appariva tetra, grigia, desolata e popolata da fantasmi girovaghi senza meta, senza scopo. Il ramo che sosteneva il sogno di quei soldati ormai era stato spezzato definitivamente. Una descrizione simile si evince da quella fatta da un osservatore durante la disfatta della Grande Armata napoleonica del 1812: una folla di spettri avvolti in abiti femminili, in vecchi pezzi di tappeti o in cappotti bruciati pieni di buchi.

Il varco è un documentario ben costruito e condotto in modo coinvolgente e appassionante. Dà l’idea di una poesia, una poesia triste però che esprime attraverso le immagini, alcune sfocate, altre chiare e marcate, ma comunque reali, la profonda stupidità della guerra e di chi la dichiara, dove non ci sono né vincitori né vinti ma semplicemente solo sconfitti che, soltanto a posteriori, accorgendosi della sua becera inutilità, non potranno mai più risollevarsi dalle pene psichiche sofferte. Il varco ha un linguaggio pittorico ed efficace che affascina, ed evidenzia  un gusto delicato per la narrazione e fa cogliere il rapporto sincero fra l’uomo e la sua essenza nei momenti di grande sconforto.

Il varco è altresì un documentario dai connotati didattici che dovrebbe per questo essere rivolto ai giovani al fine di far loro conoscere quella parte della storia triste del nostro Paese.

Costruito con materiali di archivio della seconda guerra mondiale, Il varco, diretto da Federico Ferrone e Michele Manzolini e scritto dagli stessi registi e dallo scrittore Wu Ming 2 (pseudonimo di Giovanni Cattabriga), e presentato alla LXXVI Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia nella sezione Sconfini, uscirà nelle sale il 10 ottobre.

Filmografia

Federico Ferrone con Michele Manzolini: Merica (2007), Il treno va a Mosca (2013), Il varco (2019)

Federico Ferrone con Francesco Ragazzi e Constance Rivière: Banliyö –Banlieue (2004)

Michele Manzolini: Storie di Dormiveglia (2018)

Francesco Giuliano