“Joker”, una metafora per descrivere le inquietudini e i turbamenti dei tempi moderni

Titolo: Joker

Regia: Todd Phillips

Soggetto: Bob Kane, Bill Finger, Jerry Robinson

Sceneggiatura: Todd Phillips, Scott Silver

Musiche: Hildur Guõnadóttir

Produzione Paese: USA, 2019

Cast: Joaquin Phoenix, Robert De Niro. Zazie Beetz, Frances Conroy, Brett Cullen, Douglas Hodge, Dante Pereira-Olson, Shea Wigham, Bill Camp, Glenn Fleshler Leigh Gill, Josh Pais, Marc Maron, Brian Tyree Henry, Bryan Calle, […]

Alcune città sono splendide, di notte. Gotham non è una di queste. E a Gotham city, che deve la sua fama ai roditori, ai cumuli di immondizie e alla gente che viene uccisa tornando a casa ogni giorno, c’è un incredibile degrado sociale.  A Gotham city, infatti, imperano la disuguaglianza e l’emarginazione, i servizi sociali per recuperare i più deboli e i più bisognosi di cure sono sospesi per mancanza di fondi, la delinquenza spicciola è alla portata di giovani insensati, la cattiveria genera altra cattiveria senza freno. A Gotham city c’è una grande disparità sociale. A Gotham city, infatti, c’è molta gente che vive nella miseria e nella sporcizia e soffre per mancanza dei servizi essenziali, mentre i ricchi scialacquano nell’abbondanza, nell’arroganza e nella violenza. Uno di questi è Thomas Wayne (Brett Cullen) che vive in una sontuosa villa fuori città e che si è candidato a sindaco dopo che sono stati tagliati i fondi che sostenevano i servizi sociali. Una metafora dei tempi moderni, quindi, dove i ricchi diventano sempre più ricchi e i poveri sempre più poveri sono continuamente vilipesi e sfruttati. A Gotham city, vive in un palazzo degradato con la madre Penny (Frances Conroy) Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), un uomo scheletrico con gravi problemi psichici che spesso gli provocano attacchi duraturi di risata incontrollabili. Per questo è costretto, dopo che lo hanno dimesso da una casa di cura, a rivolgersi ai servizi sociali, mentre per campare si veste e si trucca la faccia da joker cercando di divertire la gente per le strade di Gotham, e fa il comico in un locale notturno, perché sua madre gli diceva sempre di sorridere e mettere una faccia felice … e portare risate e gioia nel mondo. La sua vita si svolge senza appigli, senza sogni e senza speranze come se fosse un automa in una città che non gli offre stimoli di nessuna natura. Tutto lo lascia indifferente, niente lo entusiasma se non l’incontro nell’ascensore con la bella vicina di appartamento, Sophie (Zazie Beetz) che ne apprezza le lusinghe.  Gli unici sfoghi per Arthur sono la televisione, di cui segue il famoso programma del cinico Murray Franklin (Robert De Niro) presso cui si reca per un provino, e la madre invalida, che accudisce con grande cura e devozione perché è l’unica persona che lo comprende. Tutto procede normalmente nella sua vita quotidiana fino a quando interviene a sproposito e in modo sbagliato contro tre giovani benestanti che sulla metro scherniscono una ragazza. In quel momento Arthur ha la faccia truccata da joker. Infatti si vocifera che Gotham si è persa. Che razza di vigliacco può fare questo a sangue freddo? Uno che si nasconde dietro una maschera. La sua situazione psichica peggiora quando in televisione vede nel talk show il suo provino non riuscito e Murray Franklin che lo deride. Si rende conto che quel mondo in cui vive gli sta stretto tant’è che la cattiveria che si abbatte su di lui lo rende estremamente indifferente ma soprattutto cattivo. Ed è questa cattiveria che viene apprezzata da tutti coloro che socialmente si trovano nella sua stessa situazione. Diventa un idolo per costoro tant’è che condividendone il comportamento indossano la maschera di clown, identificandosi in tal modo con lui. Athur infatti da quel momento afferma: Ho sempre pensato alla mia vita come a una tragedia, adesso vedo che è una commedia!

Ed è, in accordo a questa asserzione, che nei titoli di coda viene cantata la canzone Smile di Charlie Chaplin: Smile though your heart is aching,/ Smile even though it’s breaking,/ When there are clouds in the sky,/ You’ll get by,/ If you smile through your fear and sorrow/ Smile and maybe tomorrow/ You’ll find that life is still worth while/ If you just … Sorridi, anche se il cuore ti duole/ sorridi, anche se si sta spezzando/ quando ci sono nuvole nel cielo/ ci passerai sopra/ se sorridi attraverso/ la tua paura e al dolore/ sorridi e forse domani/ scoprirai che la vita vale ancora/ la pena di essere vissuta/ se tu solo sorridi …

Un magnifico Joaquin Phoenix che, con il suo portamento ambiguo, leggero, coreografico, accattivante, poteva essere il solo capace di dare anima autentica  a Joker, tant’è che grazie a ciò il regista Todd Phillips ha usato la macchina da presa per scavare profondamente nel suo volto da cui ne ha estratto le inquietudini, i turbamenti e le continue afflizioni. Nel contempo, il regista ha usato il linguaggio cinematografico come metafora, al fine di ottenere un effetto maggiore rispetto al linguaggio esplicito, per descrivere in modo eccellente e incisivo la situazione sociale degradata e piena di cattiveria in cui versano i paesi post-industriali.

Joker ha vinto il Leone d’oro per Migliore film alla 76^ Mostra Internazionale del Cinema di Venezia 2019.

Filmografia

Road Trip (2000), Old School (2003), Starky & Hutch (2004), Scuola per canaglie (2006), Una notte da leoni (2009), Parto col folle (2010), Una notte da leoni 2 (2011), Una notte da leoni 3 (2013), Trafficanti (2016). 

Francesco Giuliano

“Vivere”, un’indagine sulla famiglia allargata e gli effetti sugli individui coinvolti

Titolo: Vivere

Regia: Francesca Archibugi

Soggetto. Francesca Archibugi

Sceneggiatura: Francesca Archibugi, Francesco Piccolo, Paolo Virzì

Musiche: Battista Lena

Produzione Paese: Italia, 2019

Cast: Micaela Ramazzotti, Adriano Giannini, Massimo Ghini, Marcello Fonte, Roisin O’Donovan, Andrea Calligari, Valentina Cervi, Enrico Montesano, Elisa Miccoli, […]

Vivere, l’ultimo film di Francesca Archibugi, cerca di fare una disamina su una delle ormai diffuse famiglie allargate italiane, mettendone in risalto soprattutto i difetti che la contraddistinguono e i conseguenti effetti. L’indagine verte sulla famiglia Attorre composta dal capofamiglia Luca (Adriano Giannini), un giornalista che non sa quello che fa perché lo fa in quanto scrive continuamente articoli che non riesce a piazzare, dalla moglie Susi (Micaela Ramazzotti), una svalvolata, frenetica, dinamica e disorganizzata maestra di ballo per signore attempate - culone che vogliono dimagrire -, e dalla figlia Lucilla (Elisa Miccoli), una bambina di sei anni che soffre di asma psicosomatica, che a casa viene accudita da una studentessa irlandese di storia dell’arte, Mary Ann (Roisin O’Donovan), cattolica convinta. Talvolta, va a trovare Luca il figlio Pierpaolo (Andrea Calligari), un ragazzo diciassettenne nato dal rapporto sessuale con Azzurra (Valentina Cervi), figlia in un famoso e losco professionista, l’avvocato De Sanctis (Enrico Montesano) che, a suo dire da uomo di legge, legum servi sumus ut liberi esse possumus, cioè siamo schiavi delle leggi per poter essere liberi. In questo contesto, rappresentano un substrato essenziale le liti tra Luca (Con te non si può parlare senza sbraitare!) e Susi (Perché se non urlo, manco t'accorgi che sto a parla! Se non urlo, manco me vedi!), da cui si dipana un puzzle di comportamenti, perché sembra che il comportamento di uno non influenzi in modo profondo quello dell’altro ma che ne sia connesso solo per completare il riempimento dell’insieme. Un puzzle i cui singoli pezzi sono fatti di sesso, tradimenti, amicizia, amore, politicanti e affaristi, alterchi chiassosi, bugie, ingenuità, stranezze, affari equivoci o opportunistici, contegni incoerenti, effetti della solitudine, discrasia tra religione e comportamento. Tutto si svolge sotto l’attenta sorveglianza di Perind, acronimo di Perito industriale (Marcello Fonte), il vicino di casa che, vivendo da solo e non avendo null’altro da fare, sbircia ogni persona che pratica o vive presso la famiglia Attorre e ne spia ogni fatto, ogni parola, ogni movimento. Perind sa tutto di tutti! È un invidioso – come lui stesso dichiara di essere – addirittura della vita caotica e insensata di questa famiglia perché lui non fa nulla, non gli capita nulla, convinto che la sua sia non vita. Il tema che il film affronta è in parte attualissimo e in parte connesso con la vita stessa, al di là dello spazio e del tempo, di ogni essere umano che, dopo aver commesso un errore, essendo - come diceva lo storico romano Sallustio  faber est suae quisque fortunae -, ognuno artefice della propria sorte, si trova ad un bivio e, quindi, costretto a scegliere una delle due strade che gli si presentano senza sapere a cosa, ciascuna di esse, conduca. Anche se apparentemente le due strade sembrano uguali, simmetriche, ma che in realtà non lo sono, come le due chiese gemelle di piazza del Popolo di Roma, la chiesa di s. Maria in Montesanto e quella di s. Maria dei Miracoli, perché esistono evidenti differenze planimetriche.

Bravissima e accattivante la declamazione di Micaela Ramazzotti, che si distingue magnificamente su tutti gli altri protagonisti.

Film è stato presentato Fuori Concorso Fiction alla 76° Mostra Internazionale del Cinema di Venezia 2019.

Filmografia

Mignon è partita (1988), Verso sera (1990), Il grande cocomero (1993), Con gli occhi chiusi (1994), La strana storia di Banda sonora (1997), L’albero delle pere (1998), Domani (2001), Renzo e Lucia (2004), Lezioni di volo (2007), Questione di cuore (2009), Parole povere (2013), Il nome del figlio (2015), Gli sdraiati (2017), Romanzo famigliare (2018).

Francesco Giuliano

“Ad astra”, una profonda e stimolante riflessione sulle inclinazioni dell’uomo connesse con il senso della vita

Titolo: Ad Astra

Regia: James Gray

Sceneggiatura: James Gray, Ethan Gross

Musiche: Max Richter

Produzione Paese: USA, Brasile, Cina, 2019

Cast: Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Ruth Negga, Liv Tyler, Donald Sutherland, John Ortiz, Greg Bryk, Loren Dean, John Finn, Kimberly Elise, LisaGay Hamilton, Jamie Kennedy, Natasha Lyonne, […]

Ad astra, locuzione forse estrapolata dalla più completa frase latina Per aspera sic itur ad astra, con la quale si vuole indicare che per giungere alle stelle, ovvero alla gloria o al successo, bisogna superare grandi ostacoli, ricalca molto bene il contenuto di questo bel lavoro di James Gray.

Ci sono film, tra cui il capolavoro indiscusso 2001 - Odissea nello spazio (1968) di Stanley Kubrick a cui si affianca la SUA risposta sovietica Solaris (1972) di Andrej Tarkovskij,  e i più recenti Gravity (2013) di Alfonso Cuaron e Interstellar (2014) di Christopher Nolan che, assieme a questa recentissima pellicola Ad Astra, affrontano il problema del rapporto dell’uomo con l’universo, spesso considerato come causa di imprevisti per l’uomo. In questo contesto, viene compreso sua sponte il dilemma connesso con la continua ricerca del senso della vita, che, a tutt’oggi, a meno che l’essere umano non rifugga, come è suo solito di fronte al mistero, nei dogmi religiosi come del resto fa da quando è stato creato, rimane profondamente irrisolto.

Uno degli imprevisti che, nel film Ad Astra,  nocciono alla Terra, sono delle emissioni improvvise di energia di origine ignota, provenienti da Nettuno, il pianeta ai confini del Sistema solare. Si sospetta che esse potrebbero essere causate dalla base spaziale del progetto LIMA, che ventinove anni prima era stato condotto dall’astronauta Clifford McBride (Tommy Lee Jones), e di cui non si è saputo più nulla da sedici anni, anche se ci sono dei segnali che fanno pensare che sia vivo. Conseguentemente lo SpaceCom, il Comando Spaziale, per indagare sulle cause di ciò, convoca il quarantacinquenne maggiore Roy McBride (Brad Pitt), figlio di Clifford, a cui vuole affidare la missione segreta di ricerca del padre. Roy, che aveva sedici anni quando il padre partì, è stato sempre affascinato dalle sue gesta, tant’è che manifesta il suo orgoglio di figlio dicendo: Faccio quello che faccio grazie a mio padre, lui era un eroe. Ha sacrificato la sua vita per il sapere. E Roy, anche se viene avvertito sui rischi a cui andrà incontro (Potrebbe essere uno shock per lei, suo padre faceva esperimenti con del materiale classificato che poteva compromettere il nostro intero sistema solare, distruggendo ogni forma di vita! Contiamo su di lei per scoprire cosa sta succedendo) accetta senza alcun a titubanza la missione (pronto a fare il mio lavoro al meglio delle mie capacità. Ribadisco il mio fermo impegno a completare la missione secondo le regole, se necessario distruggerò il progetto nella sua totalità. La Terra sperava in lui ed ora è tutto ... nelle mie mani!)

A tal punto lo spettatore, di cui viene coinvolta tutta la sua immaginazione, ha l’occasione di gustarsi, sulla base di un’attraente scenografia, le intime riflessioni e gli intensi e profondi dialoghi, accompagnati da musiche originali che ben si adattano alle continue azioni frenetiche e imprevedibili che si presentano. Attraverso essi, grazie all’uso metaforico che il regista pone con buon esito in atto, lo spettatore coglie l’attitudine drammatica dell’uomo volta non solo a distruggere il proprio pianeta ma anche a danneggiare gli altri corpi celesti, vedi la Luna e il pianeta Marte, così come è avvenuto sulla Terra a decorrere soprattutto dal 1492, anno di scoperta dell’America. Trasportato delle sue passioni, che lo inducono all’affannosa ricerca della verità o alla bramosia di grandezza, l’uomo abbandona i suoi affetti più cari e si scontra con la sua essenza: il padre, che lascia la sua famiglia e il figlio, per realizzare il suo sogno, o il marito che lascia la moglie per dare un scopo all’impronta educativa ricevuta e alle sue innate aspirazioni. E in questo continuo trasporto il tempo passa, l’età avanza e, ad un certo punto, egli si accorge degli errori commessi, dell’inutilità di questa lotta sfrenata e cerca di tornare sui suoi passi finché sia possibile, altrimenti rinuncia al suo scopo e alla sua vita.

Il film è stato presentato alla LXXVI edizione della Mostra Internazionale del Cinema di Venezia.ì

Filmografia

Little Odessa (1994), The Yards (2000), I padrone della notte (2007), Two Lovers (2008), C’era una volta a New York (2013), Civiltà perduta (2016).

Francesco Giuliano

“Mio fratello rincorre i dinosauri”, un film che affronta con brio e sagacia il tema della disabilità

Titolo: Mio fratello rincorre i dinosauri

Regia: Stefano Cipani

Soggetto: Giacomo Marraziol (dal romanzo autobiografico omonimo)

Sceneggiatura: Fabio Bonifacci, Giacomo Marraziol

Musiche: Lucas Vidal

Produzione: Italia, 2019

Cast: Alessandro Gassmann, Isabella Ragonese, Rossy De Palma, Francesco Gheghi, Lorenzo Sisto, Arianna Becheroni, Gea Dall’Orto, Maria Vittoria Dallasta, Edoardo Pagliai, Saul Nanni, […]

Sarà diverso da voi. È speciale... dotato di superpoteri, dice Katia (Isabella Ragonese), con l’ingenua e sottile complicità del marito Davide, ai figli [due femmine, Chiara (Gea Dall’Orto) e Alice (Maria Vittoria Dallasta), e un maschio Jack (Francesco Gheghi)], dopo la nascita di Gio (Lorenzo Sisto), un bambino affetto dalla sindrome di Down, come si sa causata dalla presenza del 47° cromosoma nel nucleo cellulare. Questa è l’innocente bugia che viene ritenuta verità indiscussa dal piccolo Jack il quale però, quando diventa grande, si rende conto della situazione fisiologica in cui si trova il fratello (La verità è che mi avete fatto credere che era un supereroe, siete dei bugiardi!) e, per vergogna, cerca di nascondere agli amici e ai compagni di scuola l’esistenza del fratello down, asserendo che è morto. E ciò lo fa anche con la prima fiamma della sua vita, di cui è innamorato profondamente: Arianna (Arianna Becheroni), una ragazza perspicace e molto impegnata socialmente. Come è volgarmente noto, tuttavia, le bugie hanno le gambe corte, e Jack si trova costretto a confessare la verità. A quel punto, scartato da tutti, soprattutto da Arianna, che gli rinfaccia di averle detto di avere solo due sorelle,si rende conto che non si può pensare di essere amati senza se e senza ma, se non si è all’altezza di amare gli altri accettandoli con tutti i loro difetti. Jack riceverà addirittura dal comportamenti di Gio questo insegnamento universale, che farà ricrederlo e lo porterà a pensare che suo fratello è veramente un supereroe, tant’è che con grande convinzione afferma: Lui è genialità e ingenuità al tempo stesso, Gio è uno che quando si trova nei corridoi corre, perché nei corridoi si corre! Gio è uno che ogni mattina si sveglia e ti chiede se fuori c'è il sole, ogni mattina porta dei fiori alle sorelle ... e quando mi chiedono cos’ha Gio, io rispondo sempre: Mio fratello rincorre i dinosauri.

Ci sono temi sociali con cui è difficile coinvolgere il grande pubblico, ma Mio fratello rincorre i dinosauri, grazie alla sceneggiatura scorrevole e briosa e alla regia di Stefano Cipani, al suo esordio, che usa un linguaggio delicato e una scorrevole fluidità narrativa, riesce, grazie anche ad un procedere vivace, a coinvolgere lo spettatore sia emotivamente, come quando si riceve un bel regalo, che razionalmente perché lo fa riflettere su un tema che spesso viene rifiutato dalla collettività.  Mio fratello rincorre i dinosauri, presentato alla 76^ Mostra Internazionale del Cinema di Venezia, è un film semplice e con un alto valore pedagogico che, affrontando un problema sociale importante, riesce a sorprendere, divertire e appassionare. Per questo dovrebbe essere utilizzato come strumento didattico nelle scuole. Nel contempo, questo film trasmette la bellezza della condivisione emotiva, dell’anormalità considerata un fatto normale e del prendersi cura del diverso che diverso non è, così come recita la canzone di Franco Battiato La cura cantata nei titoli di coda: Ti proteggerò dalle paure delle ipocondrie/ dai turbamenti che da oggi incontrerai per la tua via/ dalle ingiustizie e dagli inganni del tuo tempo/ dai fallimenti che per tua natura normalmente attirerai./ Ti solleverò dai dolori e dai tuoi sbalzi d'umore/ dalle ossessioni delle tue manie./ Supererò le correnti gravitazionali/ lo spazio e la luce per non farti invecchiare. E guarirai da tutte le malattie/ perché sei un essere speciale./ Ed io, avrò cura di te …

Francesco Giuliano

“Il pianeta in mare”, la descrizione di una ferita socio-ambientale sospesa tra terra e mare

Titolo: Il pianeta in mare

Regia: Andrea Segre

Sceneggiatura: Andrea Segre, Gianfranco Bettin

Musiche: Sergio Marchesini

Durata: 96 min

Produzione: Zalab Film con Rai Cinema

Distribuzione: Zalab Film

Il pianeta in mare, diretto da Andrea Segre e scritto dallo stesso regista insieme con l’autore Gianfranco Bettin, è un film documentario presentato Fuori Concorso alla LXXVI Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, che uscirà nelle sale il prossimo 26 settembre.

Il film documentario Il pianeta in mare fa entrare lo spettatore, che diventa sin dalle prime immagini consapevole e anche incredulo dello stato di degrado ambientale e sociale, nella zona industriale di Marghera, cuore meccanico della Laguna posto a 5 km da Venezia, e che da circa un secolo non smette di fervere. Con esso si descrive un mondo in bilico tra il suo passato profondamente scomodo e imbarazzante e il suo futuro incerto, dove lavorano operai di oltre sessanta nazionalità diverse che ne fanno un pianeta internazionale … in mare. In esso lo spettatore si smarrisce in quei luoghi mai visti prima e si stupisce per l’abbandono di laboratori chimici dove si analizzavano le acque per la determinazione di CVM (MonoVinilCloruro o Cloroetene, altamente cancerogeno) in seguito al suo largo uso per produrre il polimero PVC (PoliVinilCloruro),che provocò vittime e quindi processi interminabili con condanne prescritte; in esso lo spettatore si sorprende nel constatare che il fondale marino a meno di un metro di profondità è reso nero da tutto il catrame che vi è stato scaricato in diversi decenni e in cui non c’è più vita marina, e ancora rimane impressionato del ventre d’acciaio delle grandi navi in costruzione, delle ombre dei bastioni abbandonati del Petrolchimico, degli alti forni e delle ciminiere delle raffinerie che espellono vapori e gas vari nell’atmosfera, del nuovo mondo telematico di Vega o delle centinaia di container che navi intercontinentali scaricano senza sosta ai bordi dell’immobile Laguna. Attraverso i racconti di operai, di manager, di camionisti e anche della cuoca dell’ultima trattoria del Pianeta Marghera dove nel passato c’era vitalità quotidiana continua, le immagini di Andrea Segre incidono profondamente nella coscienza dello spettatore e lo aiutano a capire cosa sia rimasto del grande sogno a Marghera, come a Priolo o come a Gela, provocato nel passaggio da un’economia essenzialmente rurale ad un’economia industriale del Pianeta Italia che, oggi è immerso, dopo le crisi e le ferite del recente passato, nel flusso globale del sistema produttivo e delle migrazioni. Un sogno infranto è il succo di questo documentario, che non potrà avere soluzioni positive sia per l’ambiente che per l’economia  a causa della profonda ferita ambientale inferta in una zona tra le più attraenti e più fascinose d’Italia, ferita che però potrebbe essere risanata. Basta volerlo! Ecco, allora, la nota ottimistica del regista che scrive, a tal proposito: Negli ultimi due anni a chiunque io abbia detto che stavo lavorando ad un film su Marghera la risposta era sempre: “Ah, perché esiste ancora Marghera?”Le tante ferite e le tante crisi che hanno attraversato questa zona industriale, come molte altre in Italia, hanno costruito una grande rimozione nazionale. Crediamo che in quegli spazi non ci sia più nulla, più nessuno. Invece non è così. Un regista di cinema documentario ha un importante compito: portare le persone lì dove non possono o non vogliono entrare. “Il Pianeta in mare” nasce per questo.

Filmografia (documentari)

Lo sterminio dei popoli zingari (1998), Berlino ’89-’99 – Il Muro nella testa (1999), Ka Drita? (2001),  A metà – Storie tra Italia e Albania (2001), Dalle tre alle tre- Il Nord-Est e il Mare (2001), Marghera Canale Nord (2003), Dio era un musicista (2004), 1 kg di Internet (20059, Kerchaou … (2006), PIP49 (2006), La Mal’ombra (2007), Come un uomo sulla terra (2008), Magari le cose cambiano (2009), Il sangue verde (2010), Io sono Li (2011), Mare Chiuso (2012), Indebito (2013), La prima neve (lungometraggio, 2013), Come il peso dell’acqua (2014), I sogni del lago salato (2015), L’ordine delle cose (Lungometraggio, 2017).

Francesco Giuliano

“Martin Eden”, ovvero la storia dell’essere umano tra i suoi sogni giovanili e le sue delusioni della maturità

Titolo: Martin Eden

Regia: Pietro Marcello

Soggetto: Jack London (liberamente tratto dall’omonimo romanzo del 1909)

Sceneggiatura: Maurizio Braucci, Pietro Marcello

Musiche: Marco Messina, Sacha Ricci

Produzione Paese: italia, Francia, 2019

Cast: Luca Marinelli, catrlo Cecchi, Elena Orsini, Nino, Vincenzo Nemolato, Marco Leonardi, Denise Sardisco, Carmen Pommella, Autilia Ranieri, Franco Pinelli, Savino Paparella, Elisabetta Valgoi, Pietro Ragusa, Giustiniano Alpi, Claudio Boschi, Dario Iubatti, Anna Patierno, Vincenzo Modica, Gaetano Bruno, Maurizio Donadoni, Lana Vladi, Chiara Francini, Aniello Arena, Rinat Khismatouline, Giordano Bruno Guerri, […]

Martin Eden è uno di quei film di grande ricchezza emotiva che si riverbera sullo spettatore, che lo cattura e lo accarezza sensibilmente, che non molla la sua mente neppure dopo averlo visto perché lo fa pullulare tra mille riflessioni, mille sfaccettature, mille valutazioni che sono connesse con la nostra società, con il nostro modo di vivere e di fare, con le nostre effimere gerarchie sociali che sono avulse da quella sincera umanità che conferiscono continua instabilità all’essere umano e lo disorientano. Tratto liberamente dall’omonimo romanzo autobiografico dello scrittore americano Jack London, pubblicato nel 1909, e diretto dal regista casertano Pietro Marcello, Martin Eden (Luca Marinelli), marinaio sin dall’età di undici anni, nell’adattamento cinematografico, viene traslocato idealmente dalla città californiana di Oakland a Napoli. Ma ciò nulla toglie alla descrizione delle vicissitudini del giovane Martin che pur essendo privo di basi culturali possiede una ricchezza umana straordinaria tant’è che, ancora vigoroso virgulto, salva da una violenta aggressione Arturo (Giustiniano Alpi), un giovane fragile dell’alta borghesia napoletana. Costui per esprimergli gratitudine lo invita a casa dove Martin conosce Elena (Jessica Cressy) e dalla quale viene attratto per la sua bellezza affascinante e coinvolgente. Così Jack London la descrive nel romanzo: Era uno spirito, una divinità, una dea; una bellezza così sublime non era di questo mondo. O forse i libri avevano ragione, e nelle classi sociali più elevate c’erano molte persone come lei. Elena mostra di possedere una grande cultura che assieme alla sua bellezza spinge Martin a cercare di elevarsi socialmente e per fare questo sente dentro di sé di fare lo scrittore. Un sogno che insegue con ferma volontà. Si rende conto che la conoscenza è la base da cui partire per debellare la povertà perché ritiene che la conoscenza metaforicamente sia come un pezzo di pane usato per fare la scarpetta in un piatto per togliere il sugo rimasto sul fondo, che rappresenta la povertà. Ma in ciò è contrastato dalla sua appartenenza sociale e dalla sua ignoranza da cui vuole emanciparsi. Infatti confessa ad Elena: In tutti questi mesi ho riflettuto molto su me stesso e ho sentito come uno spirito creatore che mi divampava dentro, che mi incitava a fare di me uno degli orecchi attraverso cui il mondo sente, uno degli occhi attraverso cui il mondo vede, insomma voglio fare lo scrittore! E allora cerca di arricchire il suo bagaglio culturale venendo a conoscenza delle teorie del darwinismo sociale, attraverso la lettura delle opere del filosofo positivista Herbert Spencer, che lo porta a convincersi della supremazia del più forte nei rapporti umani e a credere alla prevaricazione dell’uomo sull’uomo con qualsiasi forma sia fisica che morale perché il sazio non sa cosa sia il digiuno. Ciò lo rende sostenitore dell’ideologia individualista che ritiene presupposto primario nella lotta per la liberazione dell’essere umano. Affronta grandi sacrifici senza successo, ma l’incontro casuale con Russ Brissenden, scrittore anche lui, gli fa rafforzare il suo convincimento politico e morale (Quanti ne vedi morire di fame, finire in galera perché sono dei poveretti, schiavi, ignoranti e stupidi. Lotta per loro, Martin!) che lo fa entrare subito in conflitto con la famiglia di Elena, la quale lo abbandona definitivamente perché non è stato in grado di trovarsi un lavoro stabile. Tuttavia col tempo il successo finalmente arriva e Martin viene osannato e ricercato soprattutto da tutti coloro che prima l’avevano scartato, e ciò lo porta a convincersi profondamente del suo fallimento: Lo scrittore Martin Eden non esiste. È un frutto delle vostre menti, quello che avete davanti è un malandrino, un marinaio ... io non sono un mito, è inutile che ci provate, a me non mi fregate ... a me non mi fregherete mai! Si chiede, infatti, cosa sia cambiato in lui e nei suoi scritti dato che gli editori, che adesso si contendevano e gli compravano a qualunque prezzo i suoi romanzi, erano quegli stessi che prima gli avevano  rispedito le lettere senza aprirle, e dato che quelle persone che ora lo invitavano a conferenze o a cena erano quelle stesse che lo avevano lasciato soffrire di fame e di solitudine. Martin, in definitiva, passa, attraverso la maturità e il successo raggiunto, dall’entusiasmo giovanile, che lo aveva spronato a proiettarsi nel futuro, ad una cruda delusione che lo porta a non credere più nella sua forza vitale e ad uno smarrimento irreversibile.

Martin Eden appare come un eroe tragico che rappresenta nella sua interezza l’essere umano, stretto tra la sua giovanile illusione propulsiva e la sua disillusione scoraggiante e deprimente. Egli non ha una collocazione nel tempo e nello spazio perché può essere ovunque e vivere in qualunque periodo storico. Tutto ciò lo dimostra la sceneggiatura che è una mescolanza ben efficace di una documentazione video di diverse epoche inserita nel film, come quella del rogo dei libri, cioè le Bücherverbrennungen di retaggio nazista, delle prepotenze sugli umili e sugli indifesi operate dalle squallide camicie nere di stampo fascista, degli orrori della guerra, a cui si affiancano i costumi, i particolari livelli cromatici della fotografia, la stessa macchina da scrivere - un’Olivetti 32  - usata da Martin.

Il film è stato presentato in concorso il 2 settembre 2019 alla LXXVI Mostra Internazionale del Cinema di Venezia. 

Filmografia

Il passaggio della linea (2007), La bocca del lupo (2009), Il silenzio di Pelešjan (2011), Bella e perduta (2015).

Francesco Giuliano

“Genitori quasi perfetti”, una tragicommedia perfetta “in un Paese perfetto di mostri perfetti”

Titolo: Genitori quasi perfetti

Regia: Laura Chiossone

Soggetto:  Gabriele Scotti, Renata Ciaravino

Sceneggiatura: Gabriele Scotti, Renata Ciaravino

Musiche: Michele Braga

Produzione Paese:  Italia, 2019

Cast: Anna Foglietta, Paolo Calabresi, Lucia Mascino, Marina Rocco, Elena Radonicich, Francesco Turbanti, Paolo Mazzarelli, Marina Occhionero (intrattenitrice), Erika Blanc, Nicolò Costa

Genitori quasi perfetti, secondo film di Laura Chiossone, descrive un tratto significativo della vita di Simona (Anna Foglietta) alle prese con la preparazione della festa dell’ottavo compleanno del figlio Filippo (Nicolò Costa). Essendo single, Simona è molto insicura ma nell’incertezza totale cerca di mettercela tutta al fine di organizzare un buon evento che le permetteranno di conoscere i genitori dei compagni di classe del figlio e fare amicizia. Accettano l’invito soltanto alcuni che rappresentano un profilo realistico della classe media dei genitori di un “paese perfetto di mostri perfetti”: Giorgia (Elena Radonicich), madre lesbica che mostra profonda sensibilità e chiarezza sulla prassi educativa dei figli, Ilaria (Lucia Mascino) e il marito Aldo (Paolo Calabresi), orgogliosi di essere vegani con la loro torta all’acqua, che come dice Simona gli somiglia, Sabrina (Marina Rocco), estetista che, oltre a farsi propaganda, dimostra un incontrollabile desiderio per il sesso, Paolo (Francesco Turbanti), disoccupato che cerca di nascondere il proprio status senza riuscirci, e infine Alessandro (Paolo Mazzarelli), imprenditore fallito che cerca disperatamente di emergere nel proprio lavoro. Ognuno di loro manifesta un proprio carattere condizionato dall’ambiente in cui si trova e un proprio modo di interpretare la vita vestendo una personale maschera. Una maschera che lo differenzia dagli altri, come in un’opera teatrale, ma che lo accomuna nel costituire una società contraffatta e per certi aspetti anche disumana, dove basta un piglio contrario al senso comune della vita che in un baleno trasforma la festa in un parapiglia dove succede di tutto: i comportamenti che sembravano affettuosi, cordiali, gradevoli, simpatici, socialmente corretti, si trasformano improvvisamente in una lite da cui scaturisce acredine, odio, intolleranza e disprezzo.

Da una parte, dunque i genitori che litigano rasentando turpiloquio o addirittura azioni omicide e dall’altra parte i bambini che giocano divertendosi, guidati dalla candida Luisa (Marina Occhionero), animatrice giovane ed empatica che, al termine del suo impegno lavorativo, rivolgendosi a tutti i genitori, afferma disgustata e delusa: ho capito che sarà molto, molto difficile fare peggio di quello che avete fatto voi con i vostri figli!

La regista Laura Chiossone con questa tragicommedia Genitori quasi perfetti, che potrebbe essere derivata da una piece teatrale drammatica, fotografa dettagliatamente e realisticamente, sia nei caratteri che nei comportamenti, i genitori moderni che, presi dal lavoro o dalla precarietà, da molteplici impegni, da mille problemi, dalle proprie frustrazioni e fisime e da svariati complessi, sottraggono prezioso tempo, cura e sentimento al ruolo fondamentale dell’essere genitore in modo proficuo. E, nel contempo, fa anche emergere il borderline, la linea di confine, attraverso cui si passa facilmente dal comportamento ipocrita alla sincerità comportamentale da cui emerge senza maschera  la cruda realtà odierna. Il carattere del film che appare ironico, deprimente, profondamente realistico grazie a dei bravi attori tra cui spicca la protagonista Simona, interpretata dall’appassionata e poliedrica Anna Foglietta, vuole essere una disamina dell’attuale situazione familiare a livello educativo che, tranne le dovute eccezioni, sta investendo la famiglia e anche la scuola, che si trova impreparata ad arginare l’effetto diseducativo genitoriale. Forse i genitori prima di intraprendere questo ruolo dovrebbero frequentare una scuola che li formi in tal senso?

Filmografia

Tra cinque minuti in scena (2012).

Francesco Giuliano